本网讯（通讯员：曹祎）2023年10月20日晚上19:00，由williamhill中文网、艺术教育中心特邀的北京大学威廉希尔副经理、博士生导师李洋教授在历史学院振华楼中厅报告厅开展题为《绘画反对图像：工业图像兴起后的绘画》的学术讲座，威廉希尔和其他院系师生到场聆听本次讲座。此次讲座由威廉希尔经理、艺术教育中心主任孟君教授主持。

讲座内容主要为工业图像兴起后的绘画形式，介绍了在工业图像兴起，尤其是摄影术发明后，绘画是如何一步步反对图像并探索绘画造型性存在的。李洋教授主要从以下三个方面进行论述：

首先，李洋教授介绍了图像本体的五个悖论，包括“反空间性：扁平的容器”“上镜头性：相似中有差异，差异中有相似”“图像的捕捉力：图像能抓住不在其中的东西”“图像的吸引力：让人沉浸于不曾身临其中的东西”“拟在场性：让缺席之物在场”。其次提到工业图像的工业纸像、投射影像、屏幕图像三种分类。李洋教授认为在19世纪前，凡是图像都是绘制的，凡是绘制的就是图像，绘画的主要目的是要把自己变成二维的产物，在色彩上发挥自身特色，摆脱造型性。许多画家运用透视画法让人们在二维图像中看到三维的存在，关于此论点，李洋教授特别提到了Francesco del Cossa的《天使报喜》等作品。

接下来，李洋教授对文艺复兴到19世纪图像性与造型性的两极张力进行分析，他认为由于绘画对绘画自身的物质性的追求，绘画试图成为一个逼真地再现三维造型地二维平面，而且这两种力量始终在绘画史上博弈，许多伟大的画家都不同程度地坚持绘画的造型维度。他引用福柯对马奈作品的评价：“油画这时就像是一个空间，人们可以在它面前或围着它进行移动：画前移动的观者、用实光直打的画面、经过加强的纵横线条和景深的取消，这些都是油画具有实际的、物质的甚至物理的特性，这种油画正在出现并在表现技巧中发挥其全部的特性。”李洋教授又对Pierre Bonnard、Paul Serusier、Duchamp等人的绘画的进行解读，最终得出从绘画对图像的垄断到不同图像之间竞争的历史转变，使得19世纪之后，对绘画本身的定义只是各种图像形式的一种可能。

李洋教授提到在19世纪，绘制遇到摄影术这一新的竞争对⼿，从此绘画对图像的垄断被打破，绘画形式不再是唯⼀为⼈们提供图像的形式，摄影术使得“非绘画图像”得以出现。在这种竞争的反作用下，绘画图像逐渐与其自身对立起来，并以绘画的⼿段、绘画的表现的可能性，作为自我存续的条件，⽽不再作为任何具象的再现⽽出现。李洋老师认为，摄影的独一性在于在流动的时间内捕捉刹那的永恒，这种捕捉要求被摄对象与拍摄者的双重在场。

最后，李洋老师借用迈克尔·弗雷德在《为什么摄影是至关紧要的艺术》中的一句话作为结尾：“所谓视觉艺术最重要的发展之一是出现了大型的、桌面大小的照片，这些照片因其尺寸而需要像架上绘画那样悬挂在画廊的墙上，在其他方面，它们也有志于获得绘画的修辞学意义，或更大的表达意义，同时也宣告自己是摄影的艺术身份。”

在交流环节，紧扣讲座主题，大家就艺术史的研究方法、电影的兴起对摄影的挑战、图像研究的意义等方面与李洋教授进行提问交流。

最后，孟君教授对此次讲座进行了总结发言。孟老师回顾了李洋老师对从文艺复兴到工业时期的绘画，再到工业时期的摄影术一系列的论述，包括绘画在发展的过程中间图像性伤害了造型性，以及绘画在工业时代又回归了意识性等。她认为这对电影是非常有启发性的，因为电影中的图像性其实也存在问题，电影其实也在向绘画学习，也存在一定的物质性回归，也需要处理造型和图像性两者的关系，今后学术界可以对其中的问题进行更深入的研究。

（图片：张泽坤）